Das Zeitalter der Fotografie

Die Funktion der Porträts übernahm am Ende des 19. und zu Beginn des 20.Jahrhunderts langsam aber schleichend die Fotografie. Aus diesem Grund ist es angebracht die Geschichte der Fotografie ein wenig unter die Lupe zu nehmen.

Entwicklung der Fotografie

Die Entwicklung der Fotografie dauert sehr lange. Bereits Aristoteles gelang es im 4.Jahrhundert vor Christus mittels der sogenannten Camera obscura Bilder an Wände zu projizieren. Warum die Bilder aber auf dem Kopf standen, konnte er nicht lösen. Erst Leonardo da Vinci sollte die Funktionsweise dieser Kamera richtig deuten. Die Anfänge der Fotografie gehen also sehr weit zurück. Dennoch benötigte die Menschheit mehr als 1.500 Jahre um die heutigen Abbildungen zu entwickeln. Die Chemie, um die projizierten Bilder fixieren zu können, wurde gegen Ende des 18.Jahrhunderts entdeckt. Ab diesem Zeitpunkt schritt die Entwicklung relativ rasch voran. Louis Daguerre gelang es 1837 eine Abbildung mit Silberjod und Kochsalzlösung zu fixieren. Über die Jahre wurde das Verfahren verbessert und der Grundstein für die Farbfotografie wurde gelegt.

Kleiner Kameras machen mobil

Durch die Möglichkeit, kleine Kameras industriell zu fertigen, wurde man mobil und konnte damit zum Beispiel Landschaften abbilden. Bereits ab 1900 fertigte eine deutsche Industriegesellschaft Rollenfilme für die Tageslichtwechslung her. Jahr für Jahr kam es zu Verbesserungen und bereits im Jahr 1936 war es einigen Unternehmen möglich, Farbkameras für den Weltmarkt zu fertigen. Diese Schritte waren für die Entwicklung der heutigen Digital- sowie Spiegelreflexkameras enorm wichtig. Nur mit diesem Grundstein gelang es der Menschheit, die einfachsten Dinge, Momente, Gebäude, Landschaften usw. mit einer Fotografie festzuhalten. So ist es heute zum Beispiel möglich ein Foto hinter Acrylglas als passendes Geschenk für einen Freund anfertigen zu lassen. Sollte man also in den nächsten Zeit über weitere Geschenke nachdenken, wäre vielleicht gerade eine Fotokamera oder eben das Ergebnis einer Fotografie das richtige Geschenk für einen seiner Lieben. Fotografische Abbildung der gesamten Familie oder einfacher Events wie einem Spaziergang am Strand können da so manches Herz höher schlagen lassen.

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Durch Kunstdrucke und Poster für “Jedermann”

Maler haben Techniken entwickelt, durch Mischen einmalige und leuchtende Farben herzustellen. Die Gemälde dieser bekannten Künstler sind durch Farben und Maltechnik zu einmaligen Kunstwerken geworden. Nach vielen Versuchen konnten für den Kunstdruck Farben entwickelt werden, durch die auch hochrangige Kunstwerke reproduziert werden konnten. Nur durch den Einsatz vieler Farben ist es heute möglich mit der Druckqualität den Farbeindruck des Originales (fast) zu treffen.

Der Ursprung des industriellen Kunstdrucks

Entwickelt wurde der industrielle Kunstdruck von Godefroy Engelmann, der den Kunstdruck im Jahr 1837 patentieren ließ. Diese Technik ist teuer und wird aus diesem Grund heute weltweit kaum noch eingesetzt. Der technischen Entwicklung folgend werden preiswerte Kunstdrucke im Offset- oder Digitaldruckverfahren hergestellt. Diese “billigen” Reproduktionen erreichen nicht die Farbbrillanz einer Chromolithografie, sind dafür aber wesentlich günstiger und für den Normalverbraucher alltagstauglicher.

Kunstdrucke und Poster “großer Meister”

In jeder Epoche der Menschheit wurden Kunstwerke geschaffen. Das Spektrum ist aus diesem Grund so vielfältig wie die Menschheit selbst. Dennoch kann festgestellt werden, dass jede Epoche ihre eigenen Gemälde hervorgebracht hat. Noch heute stehen wir staunend in der Sixtinischen Kapelle und bewundern die Deckenfresken von Michelangelo. Andere bewundern den Pinselstrich von Paul Gauguin oder die Bilder von Albrecht Dürer.

Große Auswahl an Kunstrichtungen und Künstlern

Jede Stielrichtung und fast jedes Gemälde ist als Kunstdruck oder als Poster erhältlich. Die Auswahl ist einfach riesig. Viele Internetgalerien bieten von modernen Künstlern sowohl Gemälde als auch Drucke an. Es gibt aber im Internet auch die Möglichkeit Kunstdrucke oder Poster nach Stilrichtungen geordnet auszuwählen. Hier kann der Kunde schnell finden, welche Zeit und Stilrichtung seinem Geschmack am ehesten gerecht wird. Ob Barocke, ein Renaissance Kunstdruck, abstrakte Malerei oder die Malerei der Romanik ist dabei nicht wichtig. Wichtig ist allein, dass “Jedermann” den zu ihm passenden Kunstdruck oder das richtige Poster findet. Ändert sich nach einiger Zeit die Geschmacksrichtung, kann das Bild leicht ausgetauscht werden.

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Zweitausendeins – seit mehr als 40 Jahren als Kulturversand aktiv:

Der Versand von Kultur zu günstigen Preisen wird bei Zweitausendeins bereits seit 40 Jahren betrieben. Die Geschichte vom Versand und der Buchhandlung Zweitausendeins nahm im März 1969 seinen Anfang mit dem Ziel, Schallplatten und Bücher zu günstigen Preisen über einen eigenen Versand anzubieten. Im Sortiment finden sich eigene Musik von Zweitausendeins auf CD ebenso wie fremde Werke in den Bereichen Klassik, Rock & Pop und vielen weiteren Genres der Musik. Wer nach hochwertigen Restauflagen zu günstigen Preisen sucht, ist beim Bücher, Musik und Kultur Versand von Zweitausendeins an der richtigen Adresse. In der Presse gilt das Unternehmen als Kramladen der Gegenkultur und als Trendsetter für den coolen Intellekt. Die breite Angebotspalette der Bücher, Filme, Hörbücher, Musik und mehr aus der Kultur kann natürlich nicht ausschließlich online ausgesucht werden, deutschlandweit stehen zudem auch 14 eigene Geschäfte zur Verfügung, um in den Bereich Kultur zu stöbern und günstig einzukaufen. Spannende und interessante Bücher, Hörbücher Klassik, Rock & Pop, Jazz, Weltmusik, Musikfilme und exklusive Musik sind nur einige der Kategorien, die im Versand von Zweitausendeins Kulturversand günstig angeboten werden und besondere Highlights für Kulturbegeisterte darstellen.

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Bei der Eventplanung sollte man sich vorab überlegen, in welchem Umfang die Künstler engagiert werden sollten. Zudem sollte die Anzahl der Gäste sowie in welchem Rahmen sich die Ausgaben bewegen sollten. Ob Sie einen Full-Service buchen oder nur Stundenweise den Künstler kommen lassen. So ist beispielsweise bei einem Kindergeburtstag völlig ausreichend den Künstler, in meisten Fällen ist es ein Clown, stundenweise engagieren. Hingegen bei größeren Events, wie etwa Hochzeit oder Jubiläumsfeier ist ein Full-Service empfehlenswert.

Künstler engagieren so geht´s

Nach dem Sie sich Gedanken über den Umfang Ihrer Feier gemacht haben und sich für die Art des Engagements entschieden, so ist eine rechtzeitige Buchung des Eventkünstlers notwendig. In meisten Fällen ist ein Buchungszeitraum von ca. sechs Monaten erforderlich. Auf verschiedenen Internetplattformen oder einer Suchmaschine für Künstler und Events finden sich unzählige Künstlerangebote. Sie brauchen nur eine unverbindliche Anfrage starten und aus Vielzahl von Angeboten den passenden Künstler aussuchen. Alternativ finden sich in Zeitungsannoncen zahlreiche Künstlerangebote. Der Vorteil einer Internetanfrage besteht darin, dass die meisten Unterhalter entweder auf ihre eigene Homepage hinweisen, wo sich unterschiedliche Demo-Aufzeichnungen ihres Könnens begutachtet werden können oder diese schicken per E-Mail einige Demos als Vorgeschmack ihrer künstlerischer Darbietung. So sparen Sie sich die Zeit, die Künstler persönlich zu einer Probe-Darbietung einzuladen und können sich sofort für einen der Unterhalter entscheiden. Insbesondere ist es gerade bei begehrten Bands der Fall, denn diese haben meist lange Wartezeiten und müssen Monate vor dem Event gebucht werden.

Unterhalter engagieren – Organisatorisches

Sofern der passende Künstler ausgewählt wurde, sind organisatorische Fragen zu klären. Dieser muss sich meist eine Stunde vor der Feier am Eventort einfinden und seine Instrumente aufbauen. Bei größeren Bands muss noch vorher die Lautstärke der Musik sowie entsprechende Bühne aufgebaut werden. Zudem muss auch die Frage der Verpflegung sowie Pausenzeiten besprochen werden.

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Tolle Motive

Diese Leinwände, also riesige, bespannte Holzrahmen, sind nicht nur eine ganz besondere Huldigung des Idols, sie stellen auch ein wunderschönes Dekorationselement für den Wohnraum oder ein anderes Zimmer dar. Die Klassiker unter diesen mit künstlerischen Figuren bedruckten Leinwänden sind unter anderem die Leinwände mit den Abbildern von Marylin Monroe oder auch Che Guevara. Doch auch andere Stars und Sternchen, wie zum Beispiel Sportgrößen wie Mohammed Ali oder der Weltfußballer Pele schafften es in Form von Fotoleinwänden in die Wohnzimmer vieler Fans. Erhältlich sind diese speziellen Leinwände in den unterschiedlichsten Formaten, wobei großformatige Rahmen besonders beliebt sind, so dass beispielsweise der Lieblings dar in echter Lebensgröße über dem Sofa prangen kann. Hat man einen Fan im Familien- oder Freundeskreis, eignen sich berühmte Künstler auf Leinwand wie z.B. von 1art1 auch hervorragend als Geschenkidee.

Leinwände selbst gestalten

Wer es ganz besonders individuell mag, hat die Möglichkeit sich eine Leinwand mit seinem jeweiligen Lieblingsstar selbst zu gestalten. Hierzu bedarf es lediglich eines guten Fotos des jeweiligen Stars, welches in Druckereien auf die Entsprechende Größe gezogen und schließlich auf die Leinwand gedruckt werden kann. Das Ergebnis ist ein persönliches Dekorationselement, welches ganz bestimmt einen Ehrenplatz im heimischen Wohnzimmer bekommen wird. Hochwertige Leinwände im Internet zu kaufen ist jedoch nicht immer ein leichtes. Eine Vielzahl an Anbietern hat sich mittlerweile im Netz etabliert, so dass man auch hier stets den passenden Händler für hochwertige Leinwände finden kann. Ganz gleich, für welchen Künstler man sich letztlich entscheidet. Die Entscheidung, dass man seinen Miro oder auch den Vitruvianische Mensch von da Vinci auf einer Leinwand haben möchte, ist eh schon gefallen.
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Höhlenmalerei – der Beginn der Malerei

Die ältesten Malereien stellen die Höhlenmalereien dar. Diese Wandbilder stellen oftmals Tiermotive dar und spiegeln das Leben dieser Zeit wieder. 1940 wurden die Wandmalereien der Höhle von Lascaux in Südfrankreich entdeckt. Diese Höhlenmalereien gehören zu den ältesten Ausdrucksformen dieser Art und stellen Tiere wie Rinder, Hirsche und Pferde dar. Aber auch in Afrika, Asien und Australien wurden frühe Felsmalereien entdeckt.

Die Malerei im Altertum

Auch im Altertum war die Wandmalerei noch weit verbreitet und wurde vor allem in ägyptischen Grabkapellen gefunden. Aber auch die Bemalung von Särgen und Totenbüchern war eine Form der Malerei in Ägypten. 3000 v. Chr. verfügte die ägyptische Malerei noch über keine Perspektive, das heißt, dass die Figuren auf Standlinien angeordnet wurden und lediglich das Wesentliche zeigen. Der Kopf des Menschen wird von der Seite gezeigt und die Augen und die Brust sind nach vorne gerichtet. 2000 – 1700 v. Chr. erlebte die ägyptische Malerei eine erste Blüte. Aus dieser Zeit stammen reich dekorierte Grabanlagen mit aufwendigen Darstellungen des Grabherrn und seiner Familie. Verschiedene Überlieferungen zeigen, dass das Ansehen der Malerei auch in der Antike schon hoch angesiedelt war. So bezeichnete der Schriftsteller Philostratos im 3. Jahrhundert n. Chr. die Malerei als eine Erfindung der Götter.

Die Malerei im Mittelalter

Die Malerei auf einem eingenständigen Untergrund, wie zum Beispiel einer Holztafel oder einer Leinwand, entstand erst im Mittelalter. Die mittelalterliche Malerei in Europa war nahezu ausschließlich durch den religiösen Einfluss geprägt. In dieser Zeit wurden Kirchen und Klöster durch Malereien geschmückt und Andachtskapellen mit Altarbildern versehen. Erst später kam die Landschaftsmalerei, die Porträtmalerei und Stillleben hinzu. Von großer Bedeutung war die Buchmalerei im Mittelalter.

Die Malerei in der Neuzeit

Eine entscheidende Entwicklung nahm die Geschichte der Malerei in der Renaissance. Durch die Weiterentwicklung der Techniken und einer Veränderung der Sichtweise wurden erstmals naturgetreue Abbilder der Menschheit und der Natur geschaffen. Die Künstler befassten sich verstärkt mit der Anatomie des Menschen und den Maßen und Proportionen von Personen und Gegenständen. Ebenso wurden die abgebildeten überwiegend religiösen Motive durch weltliche Darstellungen ersetzt.

Die Malerei in der Moderne

Durch das Aufkommen und die Verbreitung der Fotografie wurden immer neue Anforderungen an die Malerei gestellt. So blieb diese neuartige Herausforderung nicht ohne Folgen und floss in die Malerei des 19. Jahrhunderts mit ein. Der Realismus trat immer weiter in den Hintergrund und das Augenmerk wurde verstärkt auf die Darstellung von Gefühlen und Stimmungen gelegt. Das Ziel war nicht mehr eine Person naturgetreu darzustellen, sondern ihr inneres Gefühl nach Außen zu bringen. Daraus entwickelten sich viele moderne und abstrakte Kunstformen.

Die Malerei der Gegenwart

Trotz der Vielzahl an modernen und zeitgenössischen Kunstformen kann sich die Malerei noch immer auf dem Kunstmarkt behaupten und verfolgt noch immer verschiedene Kunstströmungen in diesem Bereich. Doch trotz dieser langjährigen Entwicklung zählt die Malerei noch immer zu einer brotlosen Kunst.

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Die zeitgenössische Kunst

Die Zeitgenössische Kunst umfasst Kunstwerke, die von Zeitgenossen erschafft wurden und für andere Zeitgenossen von künstlerischer Bedeutung sind. Bereits in den siebziger Jahren gab es zahlreiche Diskussionen über die Moderne Kunst und darüber welche Kunstwerke dazu gezählt werden können. Diese Debatten beschäftigten sich hauptsächlich mit der Frage, ob die zeitgenössischen Kunstwerke der modernen Kunst zugeordnet werden können oder nicht, aber auch, ob einzelne zeitgenössische Stilrichtungen zu der Moderne gerechnet werden können und der Rest, dann der Postmoderne zugeteilt wird.

Realismus

Die Moderne Kunst wandte sich zu Beginn der Jahrhundertwende von dem im 19. Jahrhundert vorherrschenden Realismus ab. Man verabschiedete sich von der Auffassung, die Natur und den Menschen objektiv darzustellen. Diese veränderte Darstellungsweise spiegelte sich in verschiedenen Stilrichtungen wieder. Der Impressionismus war am Ende des 19. Jahrhunderts weit verbreitet und legte den ersten Grundstein für die Moderne Kunst. Besonderen Wert legten die Künstler hier auf Licht- und Farbeindrücke, die durch verschiedene Techniken bei der Malerei zur Geltung kommen sollte.

Jugendstil

Ein weiterer Schritt in die Stilrichtung der modernen Kunst war der Jugendstil um 1900. Der Jugendstil zeichnet sich durch seine Flächenhaftigkeit und die Betonung der Linie aus, kombiniert mit einer dekorativen Ornamentik. Deutlicher wurde der neue Einfluss allerdings im Expressionismus. Der Expressionismus steht heute für Kunstwerke der bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts, die auf Kosten des Realismus das innere Erleben, psychisches Empfinden und andere Impulse wiedergeben sollen. Hierfür sprechen starke und grelle Farb- und Proportionskontraste, die den Expressionismus großflächig verdeutlichen. Bedeutende Künstler des Expressionismus sind Paul Gaugin, Vincent van Gogh, Herni Matisse und Eduard Munch. Eigenständige Formen dieser Stilrichtung entstanden in Österreich und Belgien. In Frankreich wurde als Gegenstück zum deutschen Expressionismus der Fauvismus geschaffen. Nach 1945 erlebte der Expressionismus in den veränderten Richtungen des abstrakten Expressionismus, dem Action Painting, dem Tachismus, der Art brut und den Neuen Wilden eine Wiederkehr. Die abstrakte Kunst steht für den Übergang der verschiedenen Stilrichtungen zu der modernen Kunst. Ausgehend aus dieser abstrakten Sichtweise, entwickelten sich verschiedene künstlerische Stilrichtungen wie zum Beispiel Pop Art, Minimal Art, Happening, Fluxus und Land Art, aber auch die Konzeptkunst.

Gesellschaftskritik

Die Moderne Kunst stieß lange Zeit auf großen Widerspruch in dem weitverbreiteten kulturellen Geschmack der Menschen. Allerdings ist es einzelnen Sammlern zu verdanken, dass der Wert verschiedener Kunstwerke erkannt wurde und die Künstler gefördert wurden. Der Höhepunkt dieser Diskussion um die Moderne Kunst war die Ausstellung „Entartete Kunst“ im Jahr 1937. Hierbei präsentierten die Nationalsozialisten die Kunstwerke der modernen Kunst als entartet und stellten die Gemälde absichtlich unvorteilhaft und mit Schmähsprüchen versehen aus. Der damalige Kunstbegriff ließ keinen Raum für abstrakte und moderne Denkwesen und lehnte die Stilrichtungen der modernen Kunst vollkommen ab. Doch auch heute stößt die Moderne Kunst noch auf Ablehnung und wird von konservativen Vertretern abgelehnt.
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Allgemeines

Seit ihrer Entstehung im 13. Jahrhundert veränderte die Fotographie die Weltanschauung der Menschen. Während sich die Malerei der individuellen Interpretation der Realität widmete, zeigt die Fotographie schon seit Anbeginn ihrer Existenz eine reale Darstellung der vom Menschen wahrgenommenen Eindrücke. In der Renaissance hegten viele Künstler den Wunsch, den Menschen als ein Idealwesen darzustellen und die Abbildung schöner und vollkommener zu gestalten, als sie in der Realität vorhanden war. Die Fotographie hingegen zeigt das Motiv so, wie es ist, das Retuschieren und Überarbeiten der Fotos war lange Zeit nicht möglich. Aus diesem Grund war die die Fotographie schon immer ein Spiegelbild der Gesellschaft. Sie zeigte die Dinge so, wie sie waren, nicht so, wie ein Maler sie idealerweise darstellen wollte. Alte Überlieferungen berichten von heftigen Machtkämpfen zwischen der Gilde der Maler und der Fotographen. Zwar hat sich der Kampf um den künstlerischen Anspruch gelegt, doch sind sich viele Kritiker bei diesem Thema noch nicht einig.

Technik

Durch die technische Weiterentwicklung der Fotographie eröffnete sich den Foto-Künstlern ein immer größeres Feld an Möglichkeiten. So kann der Fotograph auf verschiedene technische Hilfsmittel zurückgreifen, um das Motiv nach seinen Wünschen darzustellen. Der künstlerische Aspekt dieser Darstellungen wird so immer bewusster und kann deutlicher dargestellt werden. Auf diese Weise haben sich auch in der Fotographie verschiedene Kunstrichtungen entwickelt, zum Beispiel die abstrakte Darstellung von Personen oder Gegenständen.

Fotographie heute

Heute nimmt die Kunst der Fotographie eine besondere Rolle in der Werbung und dem Marketing ein. Durch eine ansprechende Darstellung von Bekleidung, Unterhaltungselektronik oder Nahrungsmitteln sollen die Verkaufszahlen des Unternehmens steigen und die Verbraucher von der Notwendigkeit des Produktes überzeugt werden. Nicht immer sind die Modelle dieser Kampagnen auch so makellos, wie sie erscheinen. Die Kunst der Fotographie orientiert sich immer mehr an dem Realismus der Renaissance und schafft neue Idealmenschen, die keine Falten und Augenringe haben. Dank moderner Software muss der Künstler nicht einmal persönlich zum Pinsel greifen, um die Schönheitsmakel zu entfernen. Doch auch sogenannte Skandalbilder werden verwendet, um die Menschen aufzurütteln und ihnen zu zeigen, wie die Realität wirklich ist. In den neunziger Jahren sorgte das Bekleidungsunternehmen Benetton für großes Aufsehen, da im Zuge einer Werbekampagne blutgetränkte T-Shirts von Kindern gezeigt wurden. Zu diesem Zeitpunkt herrschte in Jugoslawien Krieg und die Botschaft dieser Bilder war für die Betrachter eindeutig. Doch nicht allen gefiel dieser Spiegel, der ihnen durch diese Werbekampagne vorgehalten wurde. Aufgrund großer Proteste musste das Unternehmen die Kampagne stoppen.

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Ziele der Künstler

Der Wunsch nach naturgetreuer Darstellung von Gegenständen und Personen trat immer weiter in den Mittelpunkt der Kunst. Die Bewunderung für die Kunst der Antike wuchs zusehends und man sah diese Kunstwerke als ein Beispiel für die naturgetreue Umsetzung an. Doch wollten die Künstler der Renaissance nicht nur den antiken „Meistern“ gleichkommen, sondern deren Arbeit noch übertreffen. Der Wunsch vieler Künstler war es, die Realität nicht nur abzubilden, sondern sie auf den Kunstwerken zu verbessern und ein neues Ideal zu erschaffen. Zeitgleich löste diese wissenschaftliche Sicht der Dinge teilweise die religiösen Themen in der Kunst ab und die Künstler widmeten sich vermehrt den Naturwissenschaften und der Anatomie des Menschen. Neben dem veränderten Verhältnis der Kunst zu der Natur und der Wissenschaft wurde auch das Wesen der Schönheit in den Vordergrund gerückt und das Ziel vieler Künstler der Renaissance war es, einen idealschönen Menschen abzubilden und das gewählte Motiv so schön und vollkommen wie möglich erscheinen zu lassen. So gewannen die Maße und Proportionen eines Körpers oder eines Gebäudes immer mehr an Bedeutung in der Malerei, Bildhauerei und Architektur. Diese Tatsache spiegelt sich in den Gemälden der Renaissance wieder, aber auch in bedeutenden Skulpturen und beeindruckenden Bauwerken dieser Epoche.

Historische Kunstwerke

Das Zentrum dieser neuen künstlerischen Stilrichtung lag in Rom. Hier wurde im Jahre 1506 mit dem Bau der Peterskirche begonnen. Die Entwürfe für dieses historische Bauwerk stammten von dem Baumeister und Maler Donato Bramante. Doch auch andere Künstler wie Raffael, Michelangelo und da Vinci schafften ihre berühmtesten Werke und waren an der Gestaltung der Sixtinischen Kapelle beteiligt. Ein bekannter Künstler der Renaissance und ein bedeutendes Beispiel für die künstlerische Veränderung dieser Epoche ist Leonard da Vinci. Er befasste sich zunehmend mit der Naturwissenschaft und widmete sich der menschlichen Anatomie. Seine Proportionsstudien legten den Grundstein für eine neue künstlerische Epoche – der Renaissance. Daraus entstanden weltweit bekannte und bewunderte Kunstwerke wie zum Beispiel die „Mona Lisa“, „Das Abendmahl“ und „Die Dame mit dem Hermelin“. Ein weiteres bedeutendes Beispiel für die Kunst der Renaissance ist Michelangelos „David“. Diese Skulptur entstand zwischen 1501 und 1504 in Florenz und widmet sich einem biblischen Thema. Sie zeigt David, der bereits die Steinschleuder auf der Schulter anlegt und den Kampf gegen Goliath beginnt.

Wandel der Kunst

Erstmals tauchten in der Kunst der Renaissance auch weltliche Motive bei den Kunstwerken auf und einzelne Figuren wurden in Alltagskleidung dargestellt. Obwohl sich ein Wandel in der Kunst vollzog und die künstlerische Sichtweise sich in dieser Epoche veränderte, wurde die Kunst noch stark von der Religion und der Kirche beeinflusst. So blieb auch in der Renaissance die Kirche der bedeutendste Auftraggeber für viele Künstler dieser Epoche.

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Die Bildende Kunst

Der Begriff Bildende Kunst fast verschiedene visuelle Gestaltungsformen zusammen und wird im deutschen Sprachraum seit dem 19. Jahrhundert verwendet. Zu der Bildenden Kunst gehörte ursprünglich die Architektur und etliche Kleinformen davon, sowie die Baukunst, die Bildhauerei, die Malerei und Grafik, aber auch das Kunstgewerbe, das auch als Angewandte Kunst bekannt ist. Durch die Ausweitung des Kunstbegriffes im 20. Jahrhundert fällt eine klare Eingrenzung der Bildenden Kunst heute schwer.
In einigen Bundesländern wird der Begriff Bildende Kunst für das Schulfach Kunst verwendet. Hier lernen die Schüler neben dem Zeichnen, auch verschiedene Formen der Bildenden Kunst kennen und wenden die verschiedenen Methoden im Unterricht an.

Die Darstellende Kunst

Die Darstellende Kunst beschreibt als Übergriff eine Form der Kunst, deren Werke sich mit der Darstellung und Darbietung befassen. Diese Darbietungen werden in der Anwesenheit von Publikum vorgetragen und sind meist nur von kurzer Dauer. Aus diesem Grund werden sie auch als Ephemere Künste (flüchtig, kurzweilig) bezeichnet. Trotz des technischen Wandels werden diese Künste auch heute noch der Ephemeren Kunst zugeordnet. Mittlerweile werden viele dieser Werke der Darstellenden Kunst aufgezeichnet und sind dadurch nicht nur eine flüchtige Darbietung, sondern können bei Bedarf immer wieder abgespielt werden. Bei der Ausübung dieser Kunst spricht man von einer Inszenierung. Die Person, die ein solches Kunstwerk inszeniert, also in Szene setzt, wird auch als Regisseur bezeichnet. Zu der Darstellenden Kunst zählt das Theater, die Oper, die Operette, das Musical, das Ballett, aber auch die Medienkunst, Filmkunst und Tonkunst.

Die Musik (musische Kunst)

Auch die Musik zählt zu den schönen Künsten und ist eine aufeinander abgestimmte Reihenfolge von Schallereignissen. Für die Erzeugung dieser Töne und Geräusche werden üblicherweise Instrumente oder die menschliche Stimme verwendet. Aus diesem Grund wird die musische Kunst in die Vokalmusik und Instrumentalmusik eingeteilt.
Bereits vor 35.000 Jahren stellten die Menschen Instrumente aus Knochen und anderen Materialien her und erzeugten damit Töne und Geräusche. Im Zuge der Evolution erlangte der Mensch die Fähigkeit des Gesangs. Durch den Wechsel des Nahrungsangebotes veränderte sich Kauapparat und der Kehlkopf sank durch den aufrechten Gang. Somit waren die ersten anatomischen Grundsteine für den Gesang gelegt. Warum der Mensch diese Fähigkeit entwickelte ist allerdings unklar.

Die Literatur

Die Kunst der Literatur wird in die Hauptgattungen Epik, Drama und Lyrik eingeteilt. Die Epik beinhaltet die erzählende Literatur in Form von Versen oder Prosa. Dazu zählen die sogenannten Großformen der Epik, wie zum Beispiel der Roman, der Epos, die Saga, die Satire und die Parodie, aber auch die Kurzformen, zu denen die Erzählung, die Novelle, die Kurzgeschichte und die Anekdote zählen. Eine weitere Variante der Epik sind die Kürzestformen. Dazu zählen Sprichwörter und Rätsel. Das Drama hingegen wird durch eine Darstellung der Handlung mit Hilfe von Dialogen gekennzeichnet. Zu dieser Form zählen Theaterstücke. Die Lyrik befasst sich mit Gedichten. Diese unterscheiden sich durch ihre Erscheinungsform von der Prosa und werden in Versform und Strophen dargestellt.

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